Jan Fabre/Paul Pourveur : Artistes de la limite

Paul Pourveur : Ces deux types d’écriture et ces deux cultures sont pour moi en symbiose et, je dirais, complètement intégrées de par mon éducation. En effet, j’ai été élevé en Flandre par des parents originaires de la région de Mons. Aujourd’hui, j’ai encore du mal à définir ma langue maternelle, ma langue de référence – ne sachant s’il s’agit du français ou du néerlandais. Je préfère me voir comme un touriste dans les deux langues, n’appartenant ni à l’une ni à l’autre. L’approche d’écriture reste cependant identique quelle que soit la langue utilisée.

Jan Fabre : Je tiens tout d’abord à souligner que j’écris avant tout en anversois, qui est un dialecte différent du flamand. C’est un élément important de mon travail que d’écrire à partir de ce dialecte. Mon assistant traduit ensuite les textes en flamand. Lorsque l’un de mes textes est créé ou adapté en français, j’utilise un traducteur de notre maison d’édition à Paris, L’Arche éditeur, pour la traduction proprement dite. Ensuite, je travaille la langue française avec les acteurs qui me sont proches depuis dix ou quinze ans. Nous travaillons chaque phrase, chaque mot, qui est mâché, dit et redit, vérifié. Ce processus de « manger » la langue française est un long, très long parcours de travail. D’une manière générale, je ressens émotionnellement le français comme une langue plus raffinée, le flamand ou l’anversois sont plus directs.

P.P. : Je pense que le seul moyen d’exister dans une société où le corps est en passe de devenir virtuel est le langage. Si nous considérons par exemple la communication par Internet, tout passe par le langage. Il n’y a plus de corps. Le corps est devenu un gâchis d’espace. Dans le processus d’écriture actuel, la psychologie a disparu. Les personnages ne sont plus vraiment des personnages.

Le spectateur devient un peu écrivain, construit sa structure, son histoire. Je crois que les structures narratives sont en relation directe avec la perception de la réalité. Or celle-ci nous apparaît aujourd’hui complexe, comme une banque de données qui empêche toute narration linéaire. J’essaie de rendre dans mes pièces ces éléments, non seulement du point de vue du contenu mais également de celui de la forme.

J.F. : Chaque texte est pour moi comme une chorégraphie. Mon écriture comporte beaucoup de références aux arts plastiques (à Marcel Duchamp et Man Ray notamment). J’ai aussi été très influencé par John Lennon qui a conditionné une partie de ma jeunesse. Mon écriture se présente dès lors comme une carte, un kaléidoscope. L’écriture théâtrale est différente d’autres formes d’écriture, plastique ou chorégraphique, que je pratique par ailleurs. Elle laisse beaucoup d’espaces à la création et l’imaginaire. Ma technique est basée sur la défense de toute partie du corps pouvant être blessée ou qui peut être vulnérable. Tous les personnages ont des difficultés à parler, très peu y parviennent. Ils essaient de guérir leurs blessures et celles existant chez les autres. Mes personnages tentent aussi souvent de justifier leur existence sur scène.

Au niveau du jeu, qui a une influence sur la manière dont le langage est dit, j’aime aussi pratiquer l’acting « biologique », c’est-à-dire amener les acteurs dans un état particulier de fatigue qui catalyse l’éclosion de la sensibilité. On est plus sensitif, plus lucide quand on est fatigué, je dirais même en état d’hypersensibilité. Cet état biologique m’intéresse et je le recherche.

P.P. : Je crois que le théâtre peut bénéficier de l’apport de la technologie. Depuis quelques années maintenant, on voit la technologie « monter » sur la scène. Ce qui est intéressant, c’est que le décor devient une installation, une sorte de nouveau dispositif dans lequel les acteurs et les actrices peuvent évoluer d’une manière différente. Le rapport au spectateur change également puisqu’il doit aussi composer avec ce nouveau type d’installation. Mais ce qui m’intéresse avant tout, ce sont les conséquences narratives découlant de l’utilisation des nouveaux médias, certaines influences de mon travail en sont directement issues.

Je pense que ce qui a fondamentalement changé, c’est le rapport du spectateur à ces formes faisant usage de la technologie. De nombreuses études ont été menées sur ces nouvelles formes de narrativité, elles font suite à la perception nouvelle que nous avons de la réalité, perception induite par les découvertes de la philosophie quantique, la théorie du chaos, etc.Aujourd’hui, j’aime à regarder la réalité comme une banque de données interreliées. C’est une vision très inspirante dans mon travail et qui rend bien la complexité de l’homme moderne. Dans la dramaturgie contemporaine, le personnage a du mal à survivre.

Il n’est plus défini comme dans les pièces classiques, son existence même est mise en danger. Il n’y a plus de déterminisme de l’individu, celui-ci présente plusieurs facettes à la fois, sa personnalité est éclatée, fragmentée, plus complexe. Face à l’incertitude de la réalité, nous nous trouvons dans le règne de la probabilité, des combinatoires. La science quantique stipule d’ailleurs que la réalité est une succession de probabilités.

Avec l’Internet et le jeu les Sims par exemple, on se crée des possibilités d’existence, des personnages combinés. Les personnages d’aujourd’hui au théâtre doivent donc essayer de restituer cet état des choses du monde contemporain pour mieux exprimer l’individu du XXIe siècle.

J.F. : Je réponds oui à votre seconde question et non à la première. Je suis un homme très libre, avec beaucoup d’imagination. La vraie beauté est la couleur de la liberté. Par rapport au cas particulier d’Anvers, j’ai dû déménager à plusieurs reprises parce que j’ai dit ce que je pensais dans mes spectacles et mes interviews, notamment envers le Vlaams Blok.