Palais des Beaux-Arts de Lille

Régis Cotentin : Les courants artistiques qui utilisent les nouvelles technologies sont qualifiés du nom de leur outil : art vidéo, art numérique, web art . Cette catégorisation est commode pour se repérer parmi les expériences multimédia mais le tort est de les désigner strictement par leur qualité technique, comme si l’originalité d’une discipline résultait des moyens utilisés. C’est une impasse qui ne permet pas d’envisager les arts qui en découlent sur des notions esthétiques pertinentes. La première de ces désignations, l’art vidéo, est désuète. Elle n’aide plus à signaler les artistes majeurs qui contribuent à son attrait et son influence : Bruce Nauman, Bill Viola, Gary Hill… Elle est simplificatrice et ne rend pas justice à leur originalité et leur importance dans le champ plus vaste des arts plastiques, du cinéma et des arts du spectacle. Ces dénominations entretiennent la nostalgie de la notion d’avant-garde. Les critiques, les journalistes, certains artistes, en postulant une nouvelle distinction, s’inscrivent dans une classification héritée de l’histoire. L’une des dernières inventions, le clip d’auteur, est aussi insuffisante que les autres. Elle s’alloue la crédibilité du cinéma d’art et d’essai pour rejeter son élaboration commerciale et ses influences dites contre culturelles, qui fondent son identité artistique. Nous sommes dans la recherche d’une respectabilité et non dans une réelle investigation esthétique. Pour cette raison, je me suis consacré à l’étude de certaines œuvres en dévoilant leurs correspondances, comme je vous l’ai décrit plus haut, en m’interrogeant sur l’évolution du rapport du spectateur à l’image, peinte, optique, projetée, dans un échange symbolique, sensualiste, allégorique ou physique. Ce qui me semble plus conforme à l’évolution récente des arts et du véritable travail de prospection des artistes, qui, pour nourrir leur création, manient toutes les références, indépendamment des genres, des époques et des cultures. 

Régis Cotentin : Nous héritons en France d’une culture de séparation entre les beaux-arts et l’art contemporain, dont on discerne l’origine, à l’orée des années ’80, dans la création des établissements tels que les FRAC (Fond régional d’art contemporain), DRAC (Direction régional des affaires culturelles), Centres d’art et autres institutions dédiées à l’art contemporain. Cette installation était nécessaire pour offrir une place à la création actuelle. Et cette division structurelle l’était également pour permettre au public de se repérer dans la profusion des expérimentations plastiques de notre temps. Les institutions ont consolidé, bon an mal an, leur légitimité auprès du public et des pouvoirs législateurs et financiers. Elles ont créée aussi des habitudes culturelles liées à leur fondation. Le public souhaite découvrir l’art et les spectacles dans les lieux pour lesquels ils ont été créés et pour lesquels se justifie leur maintien dans le paysage culturel. Les directeurs d’établissements ont entrepris depuis une dizaine d’années des échanges entre les pratiques et les institutions pour montrer l’évolution transdisciplinaire des arts actuels. Ils rencontrent parfois l’incompréhension du public, qui s’est familiarisé à une identification culturelle. En interne, les acteurs des institutions sont parfois aussi récalcitrants à établir des échanges et des correspondances entre les genres. Pourtant, indépendamment des conditions d’installations et de maintien de ces sites de création et de représentation, le public revendique une pratique culturelle de plus en plus exigeante dans la diversité, sautant d’un produit à un autre sans nuance ni transition, compte tenu de l’importante offre artistique. Chaque personne curieuse des arts passe de la télé, au téléchargement sur Internet, à la location de DVD, à l’écoute de sa discothèque personnelle, à la lecture d’un journal, ou d’une revue, à un livre, à un film, à un spectacle. Il s’habitue pour lui-même à transgresser les codes et les genres. Il jongle avec les références sans hiérarchie ni jugement. À l’instar de nos voisins européens, les institutions françaises, telles que le Palais des Beaux-Arts, concourent à s’interroger sur cette pratique plurielle parce qu’elle correspond à l’évolution de l’histoire de l’art contemporain, à la réflexion des artistes, à une évolution de la consommation culturelle, au basculement d’une époque à une autre, et ainsi à établir des partenariats entre les structures désireuses de reconnaître les passerelles de sens et de contenus entre les arts. Dans ce cas de figure, ce type de créations/concerts nous permettent de montrer qu’il est très possible d’apprécier à la fois les musiques électroniques, a priori destinées à la jeune génération, et les beaux-arts, parce que le principe esthétique, qui les inspire, est sensiblement le même, c’est-à-dire, comment créer du beau à partir d’un projet, d’une idée, d’une vision, d’une fulgurance ? Le Palais des Beaux-Arts a entrepris une collaboration avec l’Ensemble Musiques Nouvelles, dirigé par Jean-Paul Dessy à Mons, et Transcultures, dirigée par Philippe Franck, parce que nous jugeons leur travail sur l’interdisciplinarité pertinent et de qualité. Jean-Paul et Philippe, chacun dans leur domaine respectif, la musique et le rapport arts numériques/arts vivants/arts sonores, sont des chercheurs et des créateurs qui s’interrogent sur cette notion avec succès depuis des années. Nous nous sommes engagés, sous l’égide d’AlainTapié, à produire une série d’interventions qui lient les musiques écrites, improvisées, exécutées avec une instrumentation classique et numérique, aux arts plastiques, au cinéma et à la vidéo pour montrer, de façon évidente, le succès artistique des échanges interdisciplinaires. Tous ces événements s’inscrivent en tant qu’actions culturelles en complément des grandes expositions du Palais des Beaux-Arts. Ils participent pleinement au rayonnement et à l’ouverture du musée vers un nouveau public.